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O sorriso do GOLFINHO chamado GOLFINHO, 2020
Acrílica e guache sobre tela
O AC-bu foi fundado por Toru Adachi (n. 1976), Shunsuke Itakura (n. 1976) e o ex-membro Makoto Ando, todos formados pela Tama Art University. O coletivo leva seu estilo enérgico e conciso para ilustrações, animações, videoclipes, propagandas locais, belas-artes e até campanhas por votações governamentais. Em 2014, eles apresentaram seu show de imagens de alta velocidade, o Anzen unten no shiori (Guia de Condução Segura), no Ars Electronica Animation Festival. Nesta obra, um de seus personagens mais populares, o Iruka no Iruka-kun (Dolphin Dolphin-kun) [O golfinho chamado Golfinho], criado por eles em 2010, aparece sentado com um sorriso misterioso, em uma pose que evoca “certa pintura famosa”.
AC-bu
New Tribe [Nova Tribo], 2019
4’45”
Música - Powder
Animação - AC-bu
©2019 Beats In Space Records
Akira Uno
後の月 後シテならば 痩男（俳句）
Nochi no Tsuki Nochishitenaraba Yaseotoko (haicai), 2020
Impressão digital em tela
(Original: técnica mista sobre tela, 2020)
Akira Uno (também conhecido como Aquirax Uno, n. 1934) é um dos principais artistas e ilustradores do Japão, com uma carreira de 6 décadas. Nos anos 1960 e 1970 fez parte do movimento artístico underground japonês e participou de produções teatrais experimentais. Hoje é mais conhecido por seus retratos fantasiados, muitas vezes de personagens atemporais, delicadamente reproduzidos a caneta e tinta. Muitas de suas ilustrações apresentam uma misteriosa figura feminina com olhar entediado. Nesta imagem, inspirada em um haicai de Mutsuo Takahashi, um jovem esguio parecido com uma sílfide segura uma lua crescente, enquanto uma jovem usa um enfeite de falcão na cabeça.
Awai
Flores desabrocham em espaços vazios, 2021
Acrílica sobre tela
O artista Awai (n. 1981), que vive em Tóquio, cresceu adorando desenhar. Embora não tenha estudado arte formalmente, graduou-se em Design na faculdade. Ainda gosta muito do processo de desenhar, deixando-se levar por seu subconsciente e pelas emoções, de forma que seus personagens, no estilo mangá, muitas vezes expressam os estados de espírito e sentimentos do próprio artista. Embora as imagens possam refletir tristeza ou sofrimento, Awai normalmente adiciona um elemento que oferece conforto. Nesta obra, ele retrata a solidão de uma jovem com alguns traços simples e cria um cenário que sugere destruição e perda. Ao lado da menina, porém, está um coelhinho que lhe oferece companhia e consolo.
Ayako Ishiguro
Poderoso, 2021
Impressão digital sobre tela
(Original: lápis, tinta sumi e pigmento sobre papel washi, 2021)
Ayako Ishiguro (n. 1973) é uma artista e ilustradora autodidata da província de Chiba. Suas pinturas e ilustrações de livros apresentam monstros, animais que mudam de forma e outros yōkai – ou seres sobrenaturais – do folclore japonês tradicional e de sua própria imaginação. Ela é conhecida especialmente por suas ilustrações de bakeneko, os gatos-monstros. Em 2016, publicou um livro com suas imagens de yōkai, que são assustadoras, graciosas e cômicas ao mesmo tempo. Nesta obra, intitulada Chikarazuyoi [Poderoso], um polvo carrancudo imita um poderoso guerreiro samurai, usando uma hachimaki (bandana japonesa) em volta da cabeça e uma tanga na cintura, e segurando um ōtsuchi, uma grande marreta de madeira.
Chika Takei
Ligado e desligado, 2021
Acrílica e guache sobre tela
Nascida na cidade de Utsunomiya, província de Tochigi, Chika Takei (n. 1982) iniciou sua carreira em ilustração logo após se formar na escola Illustration Aoyama Juku. Suas imagens muito estilizadas de personagens geralmente femininas são coloridas e temperamentais e, ao longo dos anos, foram inspiradas por estrelas pop como Britney Spears. Detalhadas com precisão com pincéis de ponta extremamente fina, suas personagens costumam ser lúdicas e emocionalmente expressivas. Seu trabalho já apareceu em livros, revistas, pôsteres, publicidade on-line, comerciais de divulgação de celebridades e em design de estúdio para a rede de televisão japonesa TBS, além de ser amplamente exibido em galerias de arte.
Face Oka
Dinheiro, em vez de grama verde, 2021
Acrílica sobre tela
Filho de pai taiwanês e mãe japonesa, Face Oka (n. 1985) é um artista e ilustrador autodidata que aprendeu com outros artistas. Criando principalmente desenhos à mão, ele atua na área de publicidade e revistas e na indústria da moda, colaborando com marcas como Better, Human Made, Beams, Uniqlo e Adidas. Em grande parte de sua arte ele satiriza o conformismo japonês e a tendência de evitar o confronto a qualquer custo. Aqui, uma mulher gigantesca e com as características faciais distorcidas, como muitos de seus personagens, parece abraçar uma ponte que atravessa uma floresta, sugerindo a desconexão entre humanos e natureza.
Hajime Sorayama
TREX (A), 2020
Impressão digital híbrida de Canon 12 cores em papel
Hajime Sorayama (n. 1947) formou-se na Central Art School (Chubi) em Tóquio e trabalhou brevemente com publicidade antes de se tornar ilustrador autônomo em 1971. Em 1978 Sorayama desenhou seu primeiro robô e, na década de 1980, ganhou muito destaque com sua série de “Robôs Sexy”, criada a partir da arte pin-up. Suas imagens super-reais, precisas e altamente detalhadas exploram ideias de proximidade e personificam o impulso humano de buscar a beleza. Ao mesmo tempo, seus robôs abrangem vários temas importantes da sociedade contemporânea, como barreiras raciais, vida eterna e a fusão da tecnologia com a beleza. Suas imagens de dinossauros robôs brincam com conceitos de tecnologia e cronologia, história e ficção científica.
Harumi Yamaguchi
Peixe tropical, 2021
Impressão digital em tela
(Original: acrílica sobre tela, 1981)
Harumi Yamaguchi (n. 1941) é um nome importante na publicidade japonesa. Foi pioneira na estética do aerógrafo plano, que se tornou intimamente associada à ilustração comercial. Nascida em Shimane, formou-se em pintura a óleo pela Tokyo University of the Arts e, nos anos 1970 e até meados da década de 1980, esteve à frente da publicidade da varejista PARCO. Seu cargo lhe permitiu retratar uma mulher cosmopolita emergente, livre de papéis femininos tradicionais e com autonomia para se definir por meio do consumismo. Em seus desenhos retocados, as mulheres, popularmente conhecidas como “Harumi Gals”, são sempre glamourosas, fortes e ativas, retribuindo com confiança o olhar do espectador.
Hideyasu Moto
As longas férias de Recosuke, 2020
Óleo sobre tela
Hideyasu Moto (n. 1969) é um artista autodidata que transita pelos mundos do mangá e da pintura. Ele se tornou ilustrador em 1990 e, 5 anos depois, estreou como criador de mangás na revista Garo, lançando um estilo intencionalmente fora de moda. O amor de Moto por discos musicais o inspirou a criar o Recosuke-kun, um mangá com o personagem Recosuke (que significa “adorador de discos”). Nesta cena, vemos Recosuke à beira da piscina segurando o álbum A Long Vacation (Férias longas) do músico japonês Eichi Ohtaki, lançado em 1981. A capa do álbum foi desenhada pelo artista Hiroshi Nagai (cujo trabalho também consta nesta exposição). Nesta pintura, Moto brinca com a imagem da capa para criar uma espécie de efeito ótico (trompe l’œil) com a borda da piscina.
Hikaru Ichijo
Gêmeos, 2021
Serigrafia sobre papel
Hikaru Ichijo (n. 1989) tem mestrado em comunicação visual pela Tokyo University of the Arts. Em 2018, ela começou a trabalhar como ilustradora. Seu trabalho está em livros, peças publicitárias e design de embalagens. Baseando-se em tecnologias de impressão – normalmente retícula Benday – para explorar a expressão da cor, ela constrói imagens ousadas de figuras femininas com uma estética pop contemporânea e moderna. Ela opta por não desenhar os rostos, libertando as personagens de julgamentos baseados em mudanças dos padrões de beleza. Em vez disso, suas mulheres são fortes e atléticas, muitas vezes retratadas de baixo para cima, de modo a parecer que se elevam perante o espectador.
Hiro Sugiyama
Diana, 2020
Acrílica sobre tela
Um dos organizadores e curadores da exposição WAVE em Tóquio e desta exposição itinerante da Japan House, Hiro Sugiyama (n. 1962), é um artista que vive em Tóquio e cuja produção prolífica incluiu pintura figurativa e abstrata, retratos super-realistas, gravuras, fotografia e colagem. Em grande parte de seu trabalho ele explora pontos de interseção entre dualidades – vida e morte, realidade e irrealidade, abstrato e concreto, digital e analógico – expressando o espaço estreito onde os opostos se encontram. Neste trabalho, uma imagem clássica traçada por linhas da deusa grega da caça, Diana, é colocada contra um fundo abstrato, pintado de forma arrojada. O barbante branco desenhado de maneira realista ziguezagueia, parecendo unir ainda mais essas formas distantes de expressão artística.
Hiroki Taniguchi
A flor daqui, de lá, e de todos os lugares, 2020
Técnica mista sobre tela
Nascido na cidade de Kawasaki, em Kanagawa, Hiroki Taniguchi (1957-2021) estudou na Tokyo University of the Arts. Ele trabalhou como ilustrador, criando imagens simples, encantadoras e muitas vezes excêntricas que enfeitaram várias capas de livros, pôsteres e artigos de papelaria, e seu trabalho foi apresentado em diversas exposições individuais e coletivas. Taniguchi considerou o Japão e o fato de ser japonês fundamentais para sua expressão artística. Temas do cotidiano japonês, como tigelas de arroz e hashi, legumes, flores e deuses populares, são abundantes em seu trabalho.
Hiroshi Nagai
Sem título, 2021
Impressão digital sobre tela
(Original: acrílica sobre tela, 2003)
Hiroshi Nagai (n. 1947) é um artista autodidata de Tokushima, na ilha de Shikoku. Ainda criança, descobriu a pintura por intermédio de seu pai, que era pintor a óleo e passou a trabalhar como decorador de cenários, desenvolvendo também as suas aptidões como artista. Altamente influenciado pela pop art estadunidense, bem como pelas obras surrealistas de Salvador Dalí e René Magritte, Nagai desenhou capas de álbuns para muitos artistas japoneses (inclusive uma capa referenciada na obra de Hideyasu Moto presente nesta exposição). Nagai é mais conhecido por suas cenas de praias, piscinas e estradas costeiras, representadas em tons vivos e muitas vezes sem a presença de pessoas.
Izuru Aminaka
Cavalier, 2021
Acrílica sobre madeira
Izuru Aminaka (n. 1968) é uma ilustradora que atua em Tóquio e na província de Oita. Após se formar em arte e trabalhar para uma empresa de vestuário, ela se tornou ilustradora independente, desenhando capas de livros para diversas editoras e anúncios corporativos. Atualmente, é professora na Oita Prefectural College of Arts and Culture. Geralmente reproduzidas em estilo onírico, com contornos pintados suavemente e contrastados com áreas planas de cor transparente, suas obras parecem alegres, mas têm um toque “venenoso”. Muitas vezes retratam mulheres sérias, como esta, abraçada com seu cachorro de raça spaniel, Cavalier King Charles. Embora o animal olhe diretamente para o espectador, a mulher olha para longe, como se desejasse estar em outro lugar.
Jenny Kaori
A vida é boa, 2021
Impressão digital sobre tela
A artista autodidata Jenny Kaori (n. 1987) trabalha com animação, design de personagens e vestuário, geralmente retratando os jovens que habitam a subcultura e a cultura mainstream do Japão. Usando cores vivas e uma paleta de cores predominantemente rosa, ela cria figuras femininas fortes e provocadoras que transcendem as fronteiras de gênero e desafiam os estereótipos de feminilidade. Aqui, uma menina parece ter caído de um carro e está rodeada pelo conteúdo de várias caixas que se espalharam pelo chão. Em uma mão, ela segura um cetro com a extremidade em formato de coração; na outra, dinheiro. A imagem sugere uma jovem dominada pelo consumismo.
Jun Oson
Bons amigos, 2021
Acrílica sobre tela
Vivendo em Kamakura, Jun Oson (n. 1979) trabalha em muitas áreas, incluindo ilustração de livros e projeto de capas, animação, design de produtos e roupas, arte impressa e digital. Ele pinta em um estilo lúdico de pop art, explorando motivos e temas que são universais e transcendem o tempo. Aqui, vemos três dos quatro personagens de “Amigos para sempre” – Red Dog, Skully e Belo Belo de cara verde – entrelaçados em uma luta livre amistosa. Os personagens aparecem em pinturas como esta, exibidas em galerias de arte contemporânea em Tóquio, bem como em camisetas e bonecos de ação."
Kahori Maki
Flor meditativa, 2021
Tinta sobre impressão digital do Photoshop montada em acrílico
Kahori Maki (n. 1969) é uma artista e ilustradora japonesa com formação internacional que trabalha em várias mídias, incluindo desenho, pintura, vídeo e instalação, além de expor com frequência em galerias. Usando flores ou plantas como temas, Maki parte de um único desenho que ela amplia em criações mais complexas como esta obra, que é típica de suas imagens altamente detalhadas e texturizadas. Em seu trabalho comercial, ela já criou obras para revistas como Vogue Nippon e capas de álbuns, além de ter colaborado com marcas de moda como a japonesa Comme des Garçons. Ela costuma alternar entre os métodos analógico e digital e tem trabalhado em parceria com a Apple e a Adobe Systems.
Katsuya Terada
Sem título, 2021
Impressão digital em tela
(Original: caneta marcador na tela, 2017)
Katsuya Terada (n. 1963) é um ilustrador e artista de mangá de Okayama. Ele se autodenomina um artista rakugaki (rabiscador), já que gosta de desenhar em todo lugar, o tempo todo. Como artista de mangá e anime, ele criou personagens para filmes e séries de animação japoneses, artes para diversos jogos de videogame, e trabalhou em quadrinhos estadunidenses, como por exemplo no Iron Man e Hellboy. Como ilustrador e artista, ele desafia – com canetas e ferramentas digitais semelhantes – os limites do mangá e da arte por meio da exploração da linha conforme ela se expande, construindo temas elaborados extraídos de sonhos, fantasias e do mundo natural.
Keiichi Tanaami
Shonen Tiger 01, Shonen Oja, Shonen Tiger 02, 2008
Serigrafia em papel
Keiichi Tanaami (n. 1936) é um dos principais artistas pop do Japão. Desde a década de 1960 trabalha como designer gráfico, ilustrador e videoartista, exibindo sua arte em inúmeras exposições no Japão e fora do país. É mais conhecido por suas imagens densamente compactadas e coloridas, contendo cenas de sua infância durante a Segunda Guerra Mundial, detalhes de seus sonhos e temas cômicos da cultura pop. Quando morou em Nova York no fim dos anos 1960, Tanaami foi inspirado por Andy Warhol a desafiar o papel do artista e da arte no mundo artístico, no comércio e na vida cotidiana. Ele usou seu trabalho para protestar contra a guerra e para decorar capas de álbuns, além de ter lecionado para muitos jovens artistas na Kyoto University of Art and Design. Estas três gravuras foram criadas usando ilustrações originais de livros do pós-guerra de Soji Yamakawa (1908-1992), autor das séries Shonen Tiger e Shonen Oja. A colaboração póstuma entre Yamakawa e Tanaami fez parte de uma retrospectiva do trabalho de Yamakawa realizada em 2008 para comemorar o centenário de seu nascimento.
Keiji Ito
Cinco tons, 2020
Impressão giclée sobre tela
Keiji Ito (n. 1958) vive em Tóquio e é ilustrador, designer gráfico e diretor da Unidentified Flying Graphics (UFG). Grande parte de seu trabalho investiga a ideia de que coisas que parecem comuns à primeira vista podem, muitas vezes, esconder loucura e psicodelia – como a montanha de gelatina nesta paisagem surreal que, acompanhada do título Cinco tons, é uma alusão ao filme de ficção científica de 1977 de Steven Spielberg, Contatos imediatos de terceiro grau. Para Ito, os portais para outros mundos estão ocultos em nossos espaços cotidianos e podem se abrir de repente e criar uma sensação de incongruência. Ele tenta registrar esses momentos para a eternidade em suas pinturas. Ito já realizou inúmeras exposições individuais, participou de mostras nacionais e internacionais e produziu várias publicações, incluindo seu mais recente trabalho, FUTURE DAYS (DIAS FUTUROS).
Kenichiro Mizuno
DIET BUTHCHER SLIM SKIN, 2005
5’10”
Vídeo feito para a marca de moda japonesa Diet Butcher Slim Skin
Animação - Kenichiro Mizuno
Música - 裏HIROKI & THE 花嫁
Kenichiro Mizuno
Existência casual, 2000
Acrílica sobre tela
Durante a infância, Kenichiro Mizuno (n. 1967) foi fortemente influenciado pelos animes japoneses da televisão. Quando era estudante da Tottori University e do Setsu Mode Seminar em Tóquio, transferiu seus interesses visuais para filmes cult e arte contemporânea. Mizuno desenvolveu um estilo pessoal como artista, inspirando-se em revistas e visitas a galerias de arte. Suas obras surgem de várias fontes e ele usa diversas mídias – desenho, pintura, arte gráfica e animação – para capturar sua visão única e peculiar.
Kimi Kuruhara
Shinobi, 2021
Óleo sobre tela
Kimi Kuruhara (n. 1963) tem como inspiração fontes tão diversas como o mundo natural, a arte cristã medieval e o mangá e o anime das décadas de 1960 e 1970. Vivendo em Nagano, onde também pinta e confecciona bonecos, Kuruhara considera que seus trabalhos não têm uma direção específica. Em vez disso, muitas de suas imagens vêm de ideias que surgem de repente em sua mente, como uma história que ela compartilha com um amigo. Sua rica imaginação pode ser vista nesta pintura peculiar de um shinobi (um outro termo para ninja) nadando à noite em um fosso de castelo com uma faca na boca. Ele se move de maneira tão sorrateira que não acorda os patos nem causa uma única ondulação na superfície da água.
Kintaro Takahashi
Garota de abril, 2021
Impressão digital em tela
Kintaro Takahashi (n. 1955) é da cidade de Matsumoto, província de Nagano. Ele se interessou por ilustração quando estudava design gráfico na Tama Art University em Tóquio, e agora se especializa em obras ilustrativas com um toque delicado. Nesta pintura, retrata o rosto de uma garota em abril, usando pinceladas e pigmentos mínimos, adicionando apenas um vermelho escuro para enfatizar e energizar os lábios, talvez para sugerir um amor jovem. Takahashi prefere criar seus personagens a partir de suas lembranças, em vez da realidade. É um dos organizadores da exposição WAVE em Tóquio e curador desta exposição itinerante da Japan House.
Kosuke Kawamura
Sem título, 2020
Impressão a jato de tinta e tinta acrílica em spray sobre lona
Kosuke Kawamura (n. 1979) nasceu na província de Hiroshima. Depois de se formar no colégio, mudou-se para Tóquio e se tornou designer gráfico autodidata. Atualmente trabalha como designer, diretor de arte e criador de colagens, influenciado em parte pelo artista estadunidense Winston Smith. Passou a usar uma trituradora de papel em seu trabalho, a qual logo se tornou um elemento importante de suas colagens, permitindo criar padrões finos (alguns dos quais usou em colaborações com designers de moda). Ele trabalha nos campos analógico e digital com seus designs de colagem que, muitas vezes, unem pinturas ao vivo e imagens digitais para criar arte pop e vanguardista.
Kotao Tomozawa
slimeLXXV, 2021
Óleo sobre tela
Kotao Tomozawa (n. 1999) nasceu em Bordeaux, França. Mudou-se de Paris para o Japão em 2004 e, atualmente, estuda pintura a óleo na Tokyo University of the Arts e expõe seu trabalho em galerias. Seus retratos normalmente apresentam rostos cobertos por substâncias semelhantes ao slime (brinquedo de material pegajoso, grudento). A textura, translucidez e suavidade dos materiais são meticulosamente retratadas, fazendo o espectador questionar se o que está vendo é real.
Makiko Sugawa
Vestido de renda, 2021
Caneta, lápis e acrílica sobre papel
Nascida na província de Wakayama, Makiko Sugawa (n. 1974) formou-se no Kyoto College of Art e passou a trabalhar como designer. Ela desenvolveu um estilo de desenho muito refinado (com linhas finas e delicadas e detalhes meticulosos), e é especialista em figuras femininas e bonecas com membros presos a juntas e dobradiças decorativas. As mulheres são fortes e sensuais, vestem renda e lingerie e exalam autoconfiança e independência. Sugawa perdeu a perna por causa de um câncer e defende os amputados em seu trabalho, transmitindo a mensagem de que há beleza e força nas imperfeições físicas.
Makito Takagi
Snap-49, 2021
Acrílica sobre tela e painel
Makito Takagi (n. 1986) é um ilustrador de pop art que cria personagens de desenhos animados peculiares, os quais muitas vezes parecem ser construídos com objetos aleatórios e partes de humanos ou animais. Muitos de seus personagens parecidos com monstros posam como super-heróis em frente a edifícios fotorrealistas, paredes, varandas e outros cenários, levando a imagens ambíguas que transitam entre a realidade e o mundo virtual. Por meio do uso habilidoso de luz e sombreamento, Takagi cria obras que parecem fotos dessas criaturas imaginadas no mundo real, evocando fotos antigas de Nessie e Pé Grande. Nesta pintura, ele retrata um personagem curioso como se tivesse sido capturado no flash de uma fotografia noturna.
Mariko Enomoto
Azul, 2021
Acrílica sobre tela
Mariko Enomoto (n. 1982), artista residente em Tóquio, estudou moda e hoje cria capas de revistas e discos, além de outros produtos comerciais. Como pintora, é autodidata e foi influenciada pelo bisavô, um artista de Nihonga – as pinturas em estilo tradicional japonês. Seu estilo reflete o fato de ter crescido cercada por arte e pela natureza, e muitas de suas figuras mesclam elementos humanos e naturais, como animais e plantas. Aqui, crescem orquídeas azuis nos olhos de uma jovem enquanto uma abelha sai de sua boca, uma imagem ao mesmo tempo elegante e surreal.
Masanori Ushiki
O novo jovem, 2019
Impressão giclée e serigrafia sobre tela
Masanori Ushiki (n. 1981) já trabalhou em várias áreas artísticas, desde papelaria e web design até ilustração para clientes como Beams, Nintendo, Converse, Red Bull, Le Monde e Park Hotel Tokyo. Atualmente, é artista e ilustrador autônomo conhecido por seus personagens coloridos e grandiosos, muitas vezes bem-humorados, inspirados na cultura pop japonesa, anime, mangá e ficção científica dos anos 1980 e 1990. Com seus grupos de garotas preocupadas com a moda e alienígenas cômicos, Ushiki pretende criar personagens ousados e autênticos, que dão aos espectadores esperança para o futuro.
Masaru Shichinohe
Brincando de boneca, 2021
Óleo sobre tela
Masaru Shichinohe (n. 1959) formou-se em arquitetura na Musashino Art University em Tóquio, mas logo depois iniciou sua carreira como pintor profissional. Artista um tanto autodidata, ele se dedicou a capturar uma nostalgia pelas alegrias efêmeras da infância, retratando meninos e meninas em ambientes escuros, muitas vezes surreais. Suas obras são carregadas de simbolismo e silêncio e suscitam muitos questionamentos. Aqui, a imagem parece ser a de uma jovem sentada com uma boneca no colo. Porém, mais de perto a cena se desdobra em algo onírico e misterioso.
Mayu Yukishita
Sem título, 2020
Tinta a óleo e acrílica sobre tela
Mayu Yukishita (n. 1995) estudou design gráfico na Tama Art University. Ela tem trabalhado como ilustradora de comerciais, músicas e capas de livros e, recentemente, fundou sua própria marca de moda, a Esth. Como artista, trabalha em um estilo fotorrealista, criando pinturas a óleo e acrílica, bem como digitais. Em alguns trabalhos incorpora também elementos do estilo mangá; em seus retratos, por exemplo, ela aumenta um pouco o tamanho dos olhos. As imagens, principalmente de mulheres jovens que olham com ousadia para o espectador, têm um aspecto sombrio e temperamental e um toque emocional, que fazem suas obras ultrapassarem o realismo.
Mayu Yukishita
Sem título, 2021
Impressão digital em tela adesiva
(Original: tinta a óleo e acrílica sobre papel, 2020)
Mayumi Tsuzuki
Retrato de família, 2021
Risografia em papel
Nesta gravura, Mayumi Tsuzuki (n. 1966) retrata uma família japonesa posando para um retrato padrão, com a esposa trajando um quimono floral e o marido e os filhos em vestimentas ocidentais. Embora a família seja retratada com cores vivas, o clima da imagem é sombrio, dadas as expressões faciais distantes e incômodas dos sujeitos e a sombra pesada que os cerca. Tsuzuki, que estudou arte na Musashino Art University em Tóquio, costuma abordar essa ambiguidade em seu trabalho. Normalmente, suas imagens de inspiração pontilhista do cotidiano são brilhantes, coloridas, sombrias e inquietantes ao mesmo tempo, refletindo a complexidade de nossas vidas emocionais.
(Observação: Risograph é uma marca japonesa de duplicadores digitais projetados principalmente para fotocópia e impressão de alto volume.)
Megumi Yoshizane
Castelo Bitchu – Matsuyama, 2021
Óleo sobre tela
Megumi Yoshizane (n. 1970) estudou arte em uma escola particular e na universidade. Em suas pinturas a óleo ela se esforça para capturar os muitos momentos que compõem nosso mundo e nossa vida. Yoshizane pinta cenas que a fascinam, como esta imagem de dois visitantes explorando as ruínas de um castelo. Ela contempla a cena enquanto a pinta, na esperança de que seu trabalho represente a energia do momento, podendo ser acolhedor e calmo ou solitário e ansioso. O objetivo de Yoshizane é expressar essa energia de maneira sincera, enfatizando o equilíbrio entre luz e sombra.
Mica Suga
Brincando de faz de conta, 2021
Acrílica sobre tela
Originalmente da província de Oita, Mica Suga estudou ilustração de moda e gravura em chapa de cobre em um estúdio de xilogravura. Como ilustradora, cria pinturas e gravuras em papel, às vezes combinando as técnicas de colagem feitas com pedaços de papel fino que ela recolhe e reaproveita. Muitos de seus trabalhos apresentam mulheres sérias que parecem inquietas, como se olhassem o mundo com desconfiança ou distanciamento emocional. Suas personagens e cenas são tipicamente peculiares ou absurdas, como esta imagem em que as personagens fingem ser raposas enquanto abraçam raposas reais. Suga já participou de várias exposições coletivas e individuais no Japão.
Motohiro Hayakawa
Batalhas do planeta X, 2021
Acrílica e caneta sobre tela
Nascido na província de Yamaguchi, Motohiro Hayakawa (n. 1974) estudou no Yamaguchi College of Arts e começou a trabalhar com ilustração e quadrinhos. Suas ilustrações são muito influenciadas pelas aventuras de ficção científica e desenhos animados de sua infância, no início dos anos 1980, bem como pelos quadrinhos estadunidenses e pelo punk rock. Em suas pinturas altamente imaginativas, Hayakawa mistura diferentes texturas, mídias e técnicas para criar um mundo habitado por plantas gigantes com olhos, guerreiros do passado, heróis antigos da ficção científica, alienígenas, robôs e monstros bizarros. Em muitas de suas obras esses personagens participam de cenas de batalha em estilo cômico, ambientadas em paisagens psicodélicas e oníricas.
Norishige Sasabe
Óculos desconhecidos, 2021
Pastel e lápis de cor sobre papel
Norishige Sasabe (n. 1973) é mais conhecido por suas imagens nostálgicas da cultura e dos costumes tradicionais. Em 2020, no entanto, ele começou a criar imagens que abordam o presente e o futuro próximo e questões como mudanças climáticas, inteligência artificial, clonagem, biotecnologia e espaço virtual. Seus novos trabalhos, que apresentam gradações de cores (feitas com pastéis) e apagamento, usam uma paleta mais escura com tons mais profundos, ilustrando cenas e acontecimentos contemporâneos por meio de seu próprio filtro pessoal. Aqui, a silhueta de um personagem se destaca em uma bela paisagem natural, vista através de seus óculos de realidade virtual.
Rina Yoshioka
Frango na manteiga em êxtase, 2016
Acrílica sobre papel-cartão Kento
A ilustradora Rina Yoshioka (n. 1977) formou-se em arte na Tama Art University de Tóquio. Ela é inspirada pelo tom e estética da era Showa do Japão (1926-1989), sobretudo pelos pôsteres e capas de revistas e discos desenhados à mão da época. Mais do que nostálgica, ela é inspirada pelo sangue, suor e lágrimas que fizeram parte da criação de arte daquela época. Nesta pintura, imitação de um pôster comercial, ela apresenta uma mulher japonesa trajando um quimono e aparentemente deleitando-se com um prato de “Frango na manteiga em êxtase”. O curry de frango na manteiga é um prato indiano que foi criado em meados do século XX, mas só se tornou popular no Japão na década de 1990. Fã de curry, Yoshioka idealizou um anúncio divertido da era Showa para esse prato.
Ryoji Arai
Teatro nevado, 2021
Acrílica e lápis sobre tela
Nascido na província de Yamagata, no norte do Japão, Ryoji Arai (n. 1956) é um ilustrador que vive em Tóquio e que também trabalhou na publicidade e na cenografia para peças de teatro. Ele ganhou reconhecimento mundial por sua ampla variedade de livros ilustrados – de pequenos livros infantis a histórias absurdas, contos de fadas e poesia – que apresentam seu estilo singular e lúdico. Em 2005, ele foi o primeiro autor japonês a ganhar o prêmio Astrid Lindgren Memorial de literatura infantil, por seu “estilo ousado e provocador” e pelo senso de cor “musical”. Nesta pintura dinâmica, um ser misterioso trajando branco está em um palco pequeno e colorido, com asas abertas e pronto para uma grande apresentação.
Sasaku Kusuriyubi
Almoço, 2020
Impressão digital sobre tela
Sasaku Kusuriyubi é uma pintora que vive na província de Wakayama. A inspiração para seus personagens curiosos vem da infância no interior, onde ela observava que os insetos, peixes e animais ao seu redor pareciam habitar um mundo de vida e morte sem ter consciência uns dos outros como indivíduos. Para ela, essas atividades inconscientes se tornaram um símbolo de liberdade e igualdade e afirmaram sua própria existência singular. Em sua arte, ela expressa tal liberdade por meio da caracterização, criando personagens que lembram yōkai, os “seres sobrenaturais”, e monstros da crença japonesa. Aqui, uma garota de cabelo de tentáculos mágicos almoça na companhia de seus cômicos animais de estimação.
Shiriagari Kotobuki
Dog & Bone [Cachorro & Osso], 2006
4’28”
Planejamento e direção - Shiriagari Kotobuki
Animação - Toba Jungle
Apresentação - Junko Nakazato
Apoio - Akane Taneda, Chiemi Kusano, Yuri Shimura, Yōhei Iketani, Takashi Kondō, Yasutoshi Kou, Akiyama Mimiko, Tomomi Kikawada
Planejamento e produção - Image Forum
Produção - Saruyama Hagenosuke Co. Ltd.
©2006 Shiriagari Kotobuki
Saruyama Hagenosuke Co. Ltd.
Shiriagari Kotobuki
Uma pequena pausa, 2021
Verniz acrílico sobre painel de madeira, parcialmente chamuscado e revestido com epóxi
Shiriagari Kotobuki (n. 1958) é um artista de mangá de Shizuoka. Após se formar na Tama Art University em Tóquio, começou a trabalhar com publicidade, carreira que manteve até 1994. Em 1985 começou a criar mangás e, 10 anos depois, lançou uma tira desse gênero, chamada Ereki na Haru [Primavera elétrica]. Desde 1998, tem produzido mangás de humor ácido para revistas populares, como Beam e AX, e diversos jornais. Seu intuito é criar um trabalho livre e pouco preenchido, mas que ainda assim agrade seus leitores e seja repleto de humor. Kotobuki leciona no Departamento de Mangá da Kobe Design University.
Suzy Amakane
A morsa da estante, 1984
Acrílica sobre tela e madeira
O gosto por mangá do artista Suzy Amakane (n. 1956), de Tóquio, vem desde a sua infância. Aos 20 anos, uma exposição do artista britânico David Hockney o inspirou a tornar-se pintor. Amakane estudou na Tama Art University e foi trabalhar com belas-artes e artes comerciais, unindo seu amor por mangá e pop art em um estilo próprio, lúdico e colorido. Muitas de suas imagens apresentam jovens travessos, trocadilhos visuais e alusões à cultura pop. Suas obras já apareceram em revistas, na televisão, em capas de álbuns e em muitas exposições.
Tadanobu Asano
Sem título, 2021
Acrílica sobre papel
O ator, músico e artista plástico Tadanobu Asano (n. 1973) cresceu em uma família criativa e começou a ter aulas de arte depois da escola, quando estava no jardim de infância. Como artista, gosta de capturar pessoas realizando diversas atividades. Ele se fotografa trabalhando, sentado e se movendo e, em seguida, usa as imagens como ponto de partida para suas pinturas. Nesta série de quatro pequenas obras em acrílica as figuras são colocadas em um espaço plano e vazio, como em muitas pinturas e gravuras tradicionais japonesas. Contudo, ao enfatizar as sombras das figuras e as dobras de suas roupas, ele cria forma e movimento dentro do espaço.
Takeo Chikatsu
O sapato de Chen, 2011
Acrílica sobre madeira
Takeo Chikatsu (n. 1963) trabalhou para vários estúdios de design antes de se tornar ilustrador e designer autônomo em 1998. Ele é mais conhecido por suas pinturas acrílicas hiper-realistas de objetos comuns, como garrafas, alimentos, flores e lápis, em que explora o tempo, a superfície e o que está por trás deles. Em 2006, ele começou sua série Sapatos – retratos de sapatos pertencentes a pessoas de sua vida. Cada sapato indica o caráter de quem o usa, como “Sandália geta do meu pai”, “Diretor Cansado do Estúdio de Design” e “Chen” – uma estudante chinesa muito tímida e quieta que viajou à França para estudar com seu querido namorado.
Taro Uryu
Traje de grou, 2021
Impressão giclée em papel
Taro Uryu (n. 1980) é um ilustrador residente de Tóquio que criou um estilo altamente reconhecível de expressão gráfica para lojas de departamentos, marcas de roupas, capas de livros e revistas. As figuras femininas de Uryu são simples e muitas vezes geométricas, com membros longos, bocas pequenas e redondas e grandes olhos azuis, que segundo o artista representam o mar e o céu. Muitas de suas mulheres usam roupas inspiradas nas formas e cores de objetos, pássaros e animais, como gatos calicós (tricolores) e grous de crista vermelha, como nesta imagem. Ele elimina as expressões faciais das personagens, conferindo-lhes a serenidade e a majestade de uma imagem de Buda que transcende alegria, tristeza e outras emoções.
Teruhiko Yumura
Sem título (Sr. George), 2021
Impressão giclée em papel
O artista Teruhiko Yumura (n. 1942), que vive em Tóquio, é um ilustrador, designer, criador de mangás e crítico musical que se formou no Departamento de Design Gráfico da Tama Art University. Foi um dos pioneiros da estética heta-uma (“mal desenhado, mas bem concebido”) da ilustração japonesa, na qual os artistas criam imagens que intencionalmente parecem mal desenhadas. Nas décadas de 1970 e 1980, Yumura criou capas para a revista Garo, especializada em mangás alternativos e vanguardistas. Influenciado por histórias em quadrinhos japonesas e estadunidenses, colaborou em várias tirinhas japonesas e nas revistas estadunidenses Wet e Raw. Usa diversos pseudônimos, inclusive Terry Johnson (como nas obras desta exposição), e é frequentemente chamado de “King Terry” (Rei Terry).
Toru Kageyama
Sharaku, 2013
Acrílica e guache sobre madeira compensada
Toru Kageyama (n. 1958) é um artista e ilustrador da província de Aomori mais conhecido pelas numerosas capas de livros que desenhou. Seus trabalhos trazem diversas influências, como o realismo, o estilo mangá e anime e paisagens europeias e chinesas. Nesta pintura, que leva o nome do misterioso artista Sharaku, conhecido por criar uma série de gravuras de atores de teatro kabuki no final do século XIX, é nítida a influência da tradição de xilogravura ukiyo-e do Japão. A imagem central é o interior de um teatro kabuki, com os atores no palco distante e um grande personagem de uma das gravuras de Sharaku à esquerda.
Yoko Kawamoto
Sem título, 2011
Óleo sobre tela
Da província de Oita, Yoko Kawamoto (n. 1967) é uma artista autodidata que trabalha principalmente em óleo sobre tela em um estilo fotorrealista. Ela se concentra em cenas cotidianas e imagens sub-representadas que normalmente não se notam nem são pintadas, tais como museus, ferros-velhos, ruas suburbanas iluminadas pelo sol e tráfego urbano. Ao retratar essas cenas mundanas com atenção minuciosa a detalhes, forma e iluminação, ela eleva cada uma delas a algo fascinante e importante. Aqui, a vista de uma montanha de areia (extraída do mar), com panos e pneus espalhados em primeiro plano, torna-se uma paisagem misteriosa e intrigante, digna de nossa atenção.
Yu Nagaba
Mona Lisa, 2019
Acrílica sobre tela
Yu Nagaba (n. 1976) é um ilustrador que vive em Tóquio e estudou na Tokyo Zokei University, mas aprendeu arte “em todos os lugares”. Ele prefere desenhos de linhas simples em vez de cores e detalhes, priorizando qualidade em vez de quantidade. Cria trabalhos para publicidade e livros, colabora com marcas de vestuário e já teve exposições individuais no Japão e no exterior. Em 2014 ele desenvolveu seu estilo artístico atual de desenhos em linha com tinta preta sobre fundo branco. Fez uma série de desenhos em um bloco de notas do Ace Hotel em Nova York (onde se hospedou em 2013) e criou trabalhos semelhantes em tela, ampliando os desenhos do bloco de notas original.
Yuichi Yokoyama
A sala do mapa-múndi, 2012
Impressão digital em banner de lona
Nascido na província de Miyazaki, Yuichi Yokoyama (n. 1967) estudou pintura a óleo na Musashino Arts University, mas adotou o mangá como seu modo de expressão predileto. No que ele descreve como “tempo de desenho”, Yokoyama pretende criar um senso de tempo e espaço usando recursos exclusivos do mangá. Em vez de diálogos, usa frases onomatopeicas, como “do do do do” e “waaa”. Os personagens se movem com liberdade e velocidade, em composições altamente rítmicas e muitas vezes geométricas. Yokoyama chama seu estilo de neomangá, um novo mangá que pode transcender os limites de uma mídia bidimensional para representar o tempo e o espaço.
Yuji Moriguchi
A-Un, 2016
Acrílica e gesso sobre tela
(Cortesia da Galeria Tsubaki)
Nas pinturas detalhadas de Yuji Moriguchi (n. 1971), jovens misteriosas e cativantes são as protagonistas. Influenciadas pelas gravuras ukiyo-e do período Edo (1603-1868), imagens da era Showa (1926-1989), fantasia, horror e erotismo, suas obras evocam um sentimento de nostalgia pela cultura tradicional japonesa. Neste par de pinturas, duas colegiais estão sentadas em estátuas komainu, as figuras do cão-leão que guardam os templos budistas japoneses. O título A-Un é a versão japonesa do símbolo espiritual sagrado indiano “Om”. A boca de um leão se abre, dizendo “A” (representando o início de todas as coisas), enquanto a boca do outro está fechada, dizendo “Un” (representando o fim).
Yuji Moriguchi
大団円 (Daidan’en/A Final), 2021
Impressão digital em tela adesiva
(Original: acrílica e gesso sobre tela, 2017)
Yusuke Hanai
Triste, mas não derrotado, 2020
Serigrafia em papel
O trabalho de Yusuke Hanai (n. 1978) vai desde a criação de websites até colaborações com marcas de roupas, como a japonesa Beams e a estadunidense Vans, e ilustrações para revistas de surfe. Considerado um artista da contracultura, Hanai é atraído há muito tempo pela cultura beatnik e hippie de San Francisco (Califórnia), onde viveu e estudou arte por vários anos. Seus desenhos normalmente retratam pessoas comuns, muitas vezes um pouco alienadas, fazendo o possível para lidar com suas próprias circunstâncias, motivando umas às outras e encontrando seu caminho. A obra Triste, mas não derrotado, que foi reproduzida como pintura, gravura e estatueta de edição limitada, incorpora a resiliência visível em grande parte do trabalho de Hanai.
Yusuke Saitoh
Chack e a menina, 2019
Impressão giclée sobre tela
Yusuke Saitoh (n. 1978) é um ilustrador de Kanagawa. Formado no Vantan Design Institute em Tóquio, ele produz pinturas e animações digitais realistas, muitas delas apresentadas nas indústrias de música, cinema, moda, publicidade e publicações, tanto internacionalmente quanto no Japão. Além de desenhar personagens para essas áreas criativas, ele também faz trabalhos que expressam as dificuldades que enfrentou pessoalmente como artista. Seu processo permite explorar as várias possibilidades da arte e descobrir seu próprio potencial.
Yutaka Hirai
Preto e branco, 2021
Acrílica e técnica mista sobre tela
Yutaka Hirai (n. 1976) é um artista autodidata que vive em Kamakura e trabalha principalmente com tinta acrílica. Grande parte de sua arte é figurativa e às vezes beira o surreal, com justaposições curiosas de padronagens e cenários em uma rica paleta de cores. Por meio de suas pinturas, ele muitas vezes tenta transmitir conflitos pessoais e desafios emocionais. Nesta obra, porém, ele renunciou a cores e figuras e optou por uma abstração monótona que é mais expressiva do que representativa, mesclando tons opostos para que se harmonizem em uma composição vibrante quase musical.
oki-chu.
Cão espacial, 2021
Acrílica sobre papel
oki-chu. (n. 1979) trabalha com um estilo artístico conhecido como automatismo, no qual o subconsciente guia o processo criativo. Ele começa a lápis, desenhando linhas automaticamente, e depois destaca com a caneta formas e padronagens que encontra na obra. Na faculdade, conheceu os quadrinhos franceses e o trabalho do artista holandês M. C. Escher, mas suas principais influências são os mangás, animes, jogos de videogame de sua juventude e os artistas com quem ele se relaciona por intermédio da galeria mograg, que administra em Tóquio com sua esposa, Motoko Ohta.
tupera tupera
Balneário Panda, 2021
Impressão digital em tela
(Original: lápis e caneta sobre papel, 2013)
A dupla artística tupera tupera criou alguns dos livros infantis mais populares do Japão, incluindo Shirokuma no pantsu (Roupas íntimas do urso polar), que ganhou o prêmio Prix du Livre Jeunesse Marseille 2014. O casal Tatsuya Kameyama (n. 1976) e Atsuko Nakagawa (n. 1978), residente em Tóquio, estudou, respectivamente, pintura a óleo na Musashino Art University e tinturaria têxtil na Tama Art University. Suas ilustrações coloridas e extravagantes nascem da abordagem lúdica de seu trabalho. Esta pintura é a imagem da capa do livro infantil Panda Sentō (Balneário Panda), que segue uma família de pandas em visita a um tradicional balneário japonês.
A arte gráfica e a ilustração têm uma longa história no Japão e são forças vibrantes na cultura japonesa atual. Embora muitos artistas japoneses do pós-guerra tenham sido influenciados pela arte e mídia ocidentais, os artistas gráficos e ilustradores de hoje são inspirados por várias fontes diferentes, incluindo pinturas japonesas tradicionais e xilogravuras, arte popular, fotografia, arquitetura, fantasia e pop art. Esses artistas geralmente reúnem o mundo da ilustração em livros, revistas, quadrinhos e pôsteres, e até mesmo ligam a arte bruta com o mundo das belas-artes.
A exposição WAVE apresenta o rico e variado trabalho de 55 artistas japoneses contemporâneos nas áreas de desenho, pintura e animação. Suas criações vão muito além do mangá e anime e representam um cenário artístico diversificado e expressivo ainda pouco conhecido fora do Japão. WAVE baseia-se na famosa exposição de arte anual de mesmo nome, realizada desde 2018 no Arts Chiyoda, em Tóquio, onde todos os anos se apresentam as obras de mais de cem dos principais ilustradores, designers e artistas gráficos e contemporâneos do Japão.
Esta exposição itinerante da Japan House traz, pela primeira vez, uma ampla e variada seleção dessas obras para o público internacional, apresentando estilos e designs atualmente explorados por ilustradores e artistas gráficos japoneses e criando uma nova inspiração para futuros artistas de todo o mundo.
Hiro Sugiyama
Kintaro Takahashi
Curadores da exposição
#WAVEnaJHSP
A tradição de arte gráfica do Japão
Embora as linhas utilizadas nas artes gráficas e ilustrações japonesas sejam ousadas e vibrantes, os limites entre arte e ilustração – e entre artista e ilustrador – são tradicionalmente indefinidos. O artista mais conhecido do Japão, Katsushika Hokusai (1760-1849), foi gravurista e ilustrador de livros populares impressos em xilogravura, além de pintor altamente renomado. Ele não só criou a xilogravura A grande onda de Kanagawa, mundialmente conhecida, e ilustrou romances populares, mas também pintou trabalhos luxuosos exibidos nos lares dos mais abastados.
Em épocas mais recentes, os artistas gráficos e ilustradores do Japão também transitaram por diversos campos artísticos. Após a Segunda Guerra Mundial e principalmente nas décadas de 1960 e 1970, a ilustração se tornou uma profissão no Japão, com muitos artistas produzindo mangás (histórias em quadrinhos), animes (filmes e programas de televisão animados) e trabalhando com design gráfico. Na década de 1980 e no início da seguinte, quando o Japão passou por um intenso crescimento econômico, muitos dos principais artistas gráficos do país prosperaram nos campos da ilustração de livros e da publicidade, e alguns deles começaram também a apresentar seus trabalhos em exposições de arte. Inspirados por fontes tão diversas como o movimento pop art ocidental, o fotorrealismo e as próprias xilogravuras populares e as artes folclóricas do Japão, esses artistas desenvolveram um rico vocabulário estilístico e ganharam crescente renome internacional. A tecnologia digital e as imagens geradas por computador ofereceram novas possibilidades criativas nas últimas décadas. Porém, de 2010 para cá, muitos artistas voltaram às formas analógicas de expressão, gerando uma nova onda de inspiração e inovação, como se pode notar nesta exposição.
Com a proliferação das galerias de arte contemporânea no Japão, os ilustradores costumam expor seus trabalhos juntamente aos chamados “artistas de belas-artes”. Curiosamente, não há termos equivalentes em japonês para as palavras “ilustrador” e “artista gráfico”, apenas transliterações dos termos em inglês. Como muitos artistas japoneses que trabalham com ilustração habitam espaços artísticos diversos e fluidos, eles preferem não limitar sua identidade artística a esses rótulos. Eles simplesmente se autodenominam sakka (作家), que significa “artista” em japonês.
Estilos que influenciam as artes gráficas japonesas contemporâneas
WAVE apresenta artistas veteranos e as novas promessas que trabalham com diversos estilos. Alguns dos mais influentes são:
Mangá/Anime
A ilustração das histórias em quadrinhos japonesas, conhecidas como mangá, tem raízes profundas em pergaminhos pintados no século XII, livros e impressões de xilogravura pré-modernos e revistas do início do século XX. Após a Segunda Guerra Mundial, por influência dos quadrinhos e desenhos animados estadunidenses, desenvolveu-se um moderno estilo de mangá com convenções visuais que ainda hoje estão presentes em histórias em quadrinhos e desenhos animados japoneses, os anime. O popular estilo mangá/anime apresenta linhas fortes, balões de diálogo expressivos, enquadramentos singulares e efeitos abstratos de fundo que transmitem a atmosfera do momento. Os personagens ganham olhos grandes, bocas pequenas e detalhes emotivos, como gotas de suor para mostrar ansiedade, veias saltadas para raiva e linhas paralelas fortes para demonstrar horror ou repulsa. Nesta exposição, alguns dos artistas que trabalham com esse estilo são Kenichiro Mizuno, Katsuya Terada e Motohiro Hayakawa.
Heta-uma
Na década de 1970 teve início um movimento de mangá underground com a revista Garo, na qual os artistas criavam ilustrações que intencionalmente pareciam mal desenhadas em comparação com a estética elegante do mangá popular. Conhecido como heta-uma (“mal desenhado, mas bem concebido”), o estilo foi liderado e promovido por Teruhiko Yumura, Yoshikazu Ebisu e Takashi Nemoto. Esse estilo validou o trabalho de muitos dos jovens artistas gráficos e de mangá contemporâneos, cujas obras parecem pouco lapidadas, mas são muito expressivas do ponto de vista emocional. Nesta exposição, embora seu estilo seja altamente refinado, a artista Suzy Amakane aderiu ao espírito do heta-uma.
Pop Art
O movimento pop art, que surgiu na década de 1950 nos Estados Unidos e no Reino Unido, chegou ao Japão logo em seguida. A habilidade de Andy Warhol de unir o mundo da arte comercial com as belas-artes inspirou Keiichi Tanaami, cujos designs ousados e dinâmicos são repletos de figuras oníricas, temas populares e personagens poderosos. Nessa mesma linha, as cenas fantásticas de batalhas de Motohiro Hayakawa evocam a pop art psicodélica dos anos 1960 e 1970. As imagens brilhantes de Harumi Yamaguchi de mulheres fortes e livres enfeitaram as campanhas publicitárias japonesas nas décadas de 1970 e 1980, enquanto as cenas vívidas à beira da piscina de Hiroshi Nagai tornaram-se imagens icônicas, exibidas em capas de álbuns da década de 1980.
Fotorrealismo
O movimento do fotorrealismo foi desenvolvido nos Estados Unidos nas décadas de 1960 e 1970 a partir da pop art, especialmente em resposta ao expressionismo abstrato e à profusão da fotografia. Também inspirou artistas japoneses, entre os quais Hajime Sorayama, que retratou robôs femininos e dinossauros mecânicos com detalhes luminosos, e Yoko Kawamoto, que transforma pilhas de sucata e pedreiras em paisagens hiper-realistas. Recentemente, Mayu Yukishita tem recriado uma realidade mais sombria com suas pinturas “super-realistas”.